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La música de raíz folclórica

en América Latina

(2ª parte)

Latinoamérica no es un pueblo al sur de los Estados Unidos

-“Mientras el neofolklore seguía adelante con sus pompas de jabón y sus multicolores fantasías, a nosotros nos empezaron a buscar los universitarios. ( ... ) Y los jóvenes universitarios nos llamaron y comenzaron a causar polémica. Entonces empezamos a sustentar posiciones, a hablar de la penetración cultural imperialista, e íbamos abriendo brecha contra viento y marea, contra los medios de información, contra la censura, contra la persecución, contra la violencia. “-

Victor Jara

La sociedad chilena, durante los años sesenta, no encontraba más remedio que expresarse mediante la música popular. Y esto no era para nada una coincidencia. Era una necesidad que tenia misiones importantes que cumplir: La difusión de ideas mediante el llamado al “pueblo”, incentivando el culto a la tradición, a la autoconciencia, y por lo tanto a la unión definitiva para el mantenimiento de una cultura única, llegando a la batalla y rebeldía si fuera necesario.

Agrupaciones y solistas como Atahualpa Yupanqui o Violeta Parra, son los que lograron transmitir el gran incentivo a miles de músicos, el cual va enfocado a traspasar las barreras de lo plástico e irreal, para llegar al cuestionamiento de la realidad social. En particular, Violeta Parra dio pasos agigantados en el plano artístico/musical criollo, renovando el concepto de música que se llevaba hasta ese entonces, ya sea incorporando un estilo armónico propio, como la combinación sin ningún miedo con otras artes, por ejemplo, la poesía y la pintura. De esa manera, para esta mujer, en el mundo ya no existían fronteras.

"...Arauco tiene una pena Más negra que su chamal, Ya no son los españoles Los que les hacen llorar, Hoy son los propios chilenos Los que les quitan su pan. Levántate, pailahuán."

Violeta Parra, “Arauco tiene una pena”

Es por eso que no hay duda en que Violeta Parra es la gran artista chilena y mundial de todos los tiempos, al reinterpretar el folclor, manteniendo sus preceptos, pero llegando a terrenos insospechados, tanto en el mensaje de las composiciones, como en las melodías.

De esa manera, antes del triunfo del presidente Salvador Allende en el año 1970, el movimiento hoy en día bautizado como la Nueva canción chilena, estaba en su clímax. Un arte que nace por las necesidades ya descritas con anterioridad, y que a pesar de abarcar diversos estilos musicales (desde lo propiamente acústico, pasando por vals añejos y alguno que otro bolero) el mensaje siempre tiene que ir de la mano. Se podría decir de que los pasados aristócratas chilenos ni se les pasaba por la mente escuchar algún disco de Patricio Manns o de Inti Illimani por este último elemento, además de que el culto a lo solamente europeo es una actitud que proporcionaba una inmensa segregación en el ámbito social.

Aquí, no era necesario cantar por un fin monetario. Es cierto que elementos propios del universo pop, tales como su estructura (coro-verso-coro), el “disco” como concepto de difusión, y publicidad a través de revistas o diversos medios, están presentes en el movimiento. Pero esta vez cobran un nuevo sentido, al tener estos elementos solo como un trasfondo, en donde el verdadero propósito es justamente alejarse del negocio del merchandising, para así establecer una actitud política de irreverencia, propio del movimiento. Esto, mantuvo a la canción social siempre al margen de lo comercial.

Quilapayun con su obra “La cantata de Santa Maria”, logra ejemplificar a través de una excelente obra musical lo que paso en la escuela de Santa Maria en Iquique, el 21 de Diciembre de 1907. Disco y banda que formaron parte de la nueva canción chilena, al ejemplificar y renombrar la importante tarea de que nadie puede ser capaz de pasarnos a llevar, ni siquiera mil doscientas escopetas cargadas de pólvora enceguecida, y recalcar los hechos que manchan y sepultan a la tradición militar chilena y general.

Víctor Jara es el perfecto descendiente de Violeta Parra, tanto por sus ideales como por sus pretensiones musicales, y es por eso de que el fue el símbolo de la Nueva canción chilena. Músico que nació con las cuerdas a su lado, y que conocía la verdadera sociedad de la época. Para Víctor, todas sus expresiones tenían que llegar a ser palpables, sus canciones eran como sus manos, que tocaban a las personas y lograban expresar distintos sentimientos, manteniendo una comunicación y logrando una propia representación de conciencia.

Pensamientos que recorrían e involucraban a toda Latinoamérica de manera común. El concepto de trovador de Víctor, es también llevado a cabo en otros lares, como la lejana isla de Cuba. La música, tanto en Chile como en Cuba de esa época, tenía una función clara que consistía en la identificación de las masas mediante el mensaje social puro y el reconocimiento de nuestras esencias. Las armonías hechas por tiples, charangos y quenas no eran desconocidas por ignorancia, sino porque eran mantenidas en ignorancia. Estos elementos en común son propios de gente que se esforzó y que se esfuerza hasta el día de hoy de mantener unida a Latinoamérica, tal vez no al mundo entero, pero que las fronteras geográficas sean un impedimento es algo muy ridículo. Si al final, el enemigo es uno solo.

"...Cada uno aferrado a sus dioses
producto de toda una historia
los modelan y los destruyen
y según eso ordenan sus vidas,
en la frente les ponen monedas
y en sus largas manos
les cuelgan candados, letreros y rejas"

Eduardo Gatti, "Los Momentos"

La nueva trova cubana, es un movimiento musical desarrollado en Cuba a principios de los años setenta, en donde su principal semilla germinadora es el grupo de experimentación sonora ICAIC (Instituto Cubano de Artes e Industria cinematográficas). Colectivo que tenia como principal propósito recopilar todos los sonidos propios del folclor cubano, mezclándolos con elementos pop de la época y tomando el concepto de “Nueva canción”, que significa estar comprometido a los conflictos sociales y a las tendencias políticas revolucionarias.

El concepto de cantautor, al igual que en la Nueva canción chilena, es llevado a cabo en la nueva trova cubana, en los dos casos con un sentido político/filosófico inigualable. No solo basta con la auto-composición, auto-instrumentación o auto-producción, sino que también con las posibilidades que da la música independiente con respecto a la relación del cantautor con la gente. Al igual que los trovadores de la edad media, el sentido de trascendencia mediante el reconocimiento “puro” y no mediante manejos mediáticos, y la música como un momento por sobre una eternidad, es lo que marca la pauta en la nueva trova del siglo veinte. Cantautores como Pablo Milanes, Vicente Feliú, Noel Incola, o la gran interprete femenina Sara González. Pero si habría que caracterizar al movimiento con un músico en particular, y dar a conocer uno de los mayores artistas de todos los tiempos, ese seria Silvio Rodríguez.

(Pablo Milanes y Silvio Rodriguez, "Sabado Corto")

Las canciones, tienen que ser al fin y al cabo composiciones con temáticas e historias que nunca antes se habían escrito. Es decir, que sean reflejos empíricos de cada cantautor. De tal manera que en el caso de Silvio, el impacto que tuvo en su vida el ser recluta militar refleja su resentimiento hacia las actitudes violentistas y militares, pero a la vez el amor a su cultura y nación. Lo que tuvo como consecuencia, una habilidad impresionante de composición que se traduce en cientos de excelentes canciones, discos, y emotivas presentaciones en vivo.

Silvio Rodríguez es prácticamente el único gran músico latinoamericano y mundial que sigue en pie, cantando, componiendo, y manteniendo una cierta credibilidad con la gente, lo que se traduce en su vigencia y constante actividad en el mundo musical. Dentro de las composiciones de Silvio, se pueden encontrar muchas historias verídicas, que abarcan temas recurrentes como el amor, visto desde una perspectiva muy poética (“En estos días”, “Ojala”, “La gota del roció”), potentes criticas sociales ante la iglesia, el imperialismo o el culto al que dirán (“La familia, la propiedad privada y el amor”, “Canción urgente para Nicaragua”, “Por quien merece amor”). Y por supuesto, relatos de hechos coloquiales, históricos y bélicos (“Te doy una canción” o “Playa Girón”).

Otros estilos musicales desarrollados en Cuba como la salsa, el son, la guarija, el mambo o el cha-cha-chá, son desarrollados y transmitidos por tradición oral. Y una importante recolección de dichos sonidos, es el disco producido por el músico y productor ingles Ry Cooder en 1997, “Buena Vista Social Club”. Destacados y casi olvidados músicos cubanos como Eliades Ochoa o Compay Segundo, aprovechan esta oportunidad para demostrar sus talentos innatos e intactos, propios de gente perteneciente al medio folclórico musical.

Esta producción también sirvió para el registro de un documental dirigido por el alemán Wim Wenders, que muestra la grabación del disco y las diversas presentaciones en vivo de la nueva banda, ya que Buena vista social club no era mas que un bar donde tocaban distintos músicos, y que en esta ocasión son reunidos para tocar sus propias composiciones o armonías prestadas de autores de oro. Composiciones demasiado representativas de los estilos anteriormente dichos, y que son una muestra de virtuosismo terrenal, diálogos callejeros y olor a grandes choques de olas saladas, entre las veredas de los barrios mas coloquiales de la ciudad de La Habana.

(Localidad de "La Habana")

Recopiladores en la actualidad

Actualmente, el preciado lenguaje universal se mantiene intacto, a pesar de que la música de raíz folclórica en el mundo entero sea también, hasta cierto punto, parte del desorden general de la música del siglo XXI. De tal manera de que en Chile podemos encontrar expresiones de klezmer o música tradicional de Europa del este en bandas como La Mano Ajena y Mama Paska, o Las Capitalinas, grupo de feminas que combinan la cueca tradicional con estilos como el bossanova o el tango.

Las tendencias propias del pop en todo el mundo, reciben con los brazos abiertos al mundo folclórico, teniendo estilos como el electro tango o reinterpretaciones del mismo (Gotan Project, Orquesta típica Fernández Fierro), la electrónica con bossanova o samba en la denominada música popular brasileña (MPB)(Marisa Monte, Rosalia de Souza, Bebel Gilberto), el rock o el jazz con folclor de diversos continentes (Congreso, Los Jaivas, Santana, Emir Kusturica and The no Smoking orchestra, Les Balayeurs du Desert), el flamenco y la técnica de cantaor como elemento esencial del hip-hop y otros estilos en España (La mala Rodríguez, Bebo Valdés y Diego el Cigala), y una larga lista mas de interesantes vínculos.

(Mauricio Redolés, músico y poeta chileno)

Esto, da para una esencial interrogante: esta cantidad de mezclas son producto de la globalización, la tecnología y la infinidad de posibilidades de escuchar música de distintas partes sin la necesidad de mover ni un pelo de nuestras pestañas. Entonces, ¿esto es positivo, o de alguna manera poco a poco las verdaderas tradiciones musicales de cada región se están perdiendo con el pasar del tiempo?

Es realmente positivo que estemos viviendo en un mundo donde todas las ventanas estén abiertas, y que las armonías sean totalmente visibles para la gente que se interese por ellas, por lo tanto esto fomenta la amplitud musical a la que puedan llegar los oyentes o los compositores.

(La 8ª Edición del Festival Internacional de Folklore de la Villa de Ingenio (Muestra Solidaria de los Pueblos)(2003)

Puede haber sucesivas reinterpretaciones, pero si se mantiene la esencia todo va a seguir exactamente igual como lo será en muchos años más. No se esta perdiendo traspaso oral, sino que se esta ganando. Hay que tener en cuenta, que el folclor a partir del siglo pasado no existió solo. El pop, es un factor fundamental en donde existe una bipolaridad, al decir que puede ser el eterno contrincante de lo tradicional, como el amigable acompañante hasta el final del viaje.

Hoy en día todo vale igual, y este pensamiento comunitario evita egoísmos, vanidades y frivolidades, y permite desarrollar de una manera mucho más lograda que en otras décadas el desarrollo de la música universal y la creación de nuevas melodías. Al tener una universalidad de diversas paletas sonoras, todo pasa por una autoconciencia del compositor y del oyente.

Ya no se vive ni se vivirá en una cárcel llena de anchas murallas de concreto, ya que el hogar ya esta hecho. Lo importante es oír e interpretar sin miedo, aprovechar las oportunidades sin hacer boludeces como fanatizarse por tendencias particulares. Por eso, carpe diem para todos, abran sus orejas, y que los cotonitos y algodones sean una decadente historia del pasado…

Vínculos:

Música tradicional Europea

Arte Oriental

Música en África

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Varios Artistas - La nueva canción chilena

La música de raíz folclórica

en América Latina (1ª parte)

-"¡El sajón nos está jodiendo a todos!" --gritó Antonio, exasperando el fortissimo. -"A mí ni se me oye" --gritó Doménico, arreciando sus acordes. Pero, entre tanto, Filomeno había corrido a las cocinas, trayendo una batería de calderos de cobre, de todos tamaños, a los que empezó a golpear con cucharas, espumaderas, batidoras, rollos de amasar, tizones, palos de plumeros, con tales ocurrencias de ritmos, de síncopas, de acentos encontrados, que, por espacio de treinta y dos compases lo dejaron solo para que improvisara. -"¡Magnífico! ¡Magnífico! -gritaba Jorge Federico. "¡Magnífico! ¡Magnífico! -gritaba Doménico, dando entusiasmados codazos al teclado del clavicémbalo.

“Concierto Barroco”, Alejo Carpentier

Mis propósitos para este articulo, además de dar una larga extensión de información didáctica, es dar un análisis del panorama del folclor en algunas regiones de Latinoamérica, viendo sus objetivos, propósitos, elementos en común, y como ha evolucionado a la par con la música pop. De manera paralela, pero con muchos elementos relacionados.

Obviamente, antes de ver muchos grupos y hablar de diversos temas, primero hay que dejar algunas cosas claras. La música folclórica son todas aquellas canciones y melodías que forman parte de la cultura de un país. Un factor importante para la transmisión de esta música es la tradición oral, importantísimo elemento hasta el día de hoy para el reconocimiento y permanencia de la cultura folclórica. Es por eso de que cuando hablamos de folclor nos dirigimos al origen, a lo antiguo, a la tradición.

El culto a lo tradicional hace establecer una especie de religión musical en cada localidad donde se desarrolla folclor. Es decir, las estructuras de las canciones y sus temáticas, a través del paso de las generaciones, no deben tener cambios radicales y la esencia es aquel polvo mágico que permite que esta música sea parte de “lo popular”.

Es por eso que el dialogo y el intercambio de experiencias musicales es otro catalizador del desarrollo de esta visión musical. Ya sea en un medio rural o un espacio urbano, la convivencia y los relatos en común que se comparten entre distintos tipos de personas, o miembros de una misma categoría social, construyen la cultura y costumbres de un país, esta vez a base de lo musical. La música esta vez cumple un rol empírico, relatador de vivencias, y que dichas narraciones abarcan una infinidad de temas que al ser de gente, para gente, no caen en ninguna pretensión y logran el preciado “lenguaje universal”. Como también existe una retroalimentación, ya que la música responde a la recreación de espacios y no el medio a la armonía. Es decir, “funciones musicales” (música para un ritual religioso, música para festividades o para bailar con pasos determinados, música como respuesta a sistemas políticos, etc.)

Esto de la música es un arte tan antiguo (tal vez demasiado) que el conocimiento universal es inexistente, y la principal culpable es la música folclórica, debido a la inexistencia del interprete y por consecuencia la infinidad de melodías y líricas que vuelan como las mariposas amarillas de Mauricio Babilonia. Tal vez melodías que no tienen grandes solos de guitarra en pentagonica o verdaderas orquestas musicales rebalsadas de recursos, pero que esto es debido a que su complejidad va por senderos totalmente distintos a la de la música popular. En donde la relación del ser humano con el instrumento es el canal de transmisión y creación de emociones, una unión espiritual que sobrepasa lo material llevando al músico a el arte de descubrir e investigar, por sobre el de armar complejas composiciones.

Y finalmente, antes de comenzar, me gustaría retomar eso tan lindo que es el lenguaje universal. El llegar a todos por igual, el crear música a partir de mi propia cultura pero que mi propuesta y concepto sea entendido por todos de igual manera. Esos sentimientos no pueden ser la locura, preceptos éticos propios o destrucción del género humano. Las temáticas son como la música: Universales. Es por eso que las melodías que no tienen ningún mensaje más que todos bailen al son del ritmo, el abordo de temáticas como el amor, la idolatría a la figura de la mujer, la melancolía y el mensaje social son bienvenidas con las sienes abiertas. Y por supuesto: El retorno a la naturaleza, a la Pachamama.

A continuación, hablaremos de este estilo pero mas que nada vamos a centrarnos en la música “de raíz” folclórica o recopiladores del folclor. Es decir, una tendencia que toma casi los mismos preceptos que el arte descrito con anterioridad, pero solo tomando la influencia, incorporando algunas veces la problemática social como temática. Y es aquí donde se produce la simbiosis de la esencia y la tradición, con el espacio pop, lo estructurado y jerarquizado, lo propio del siglo veinte.

Música; melancólico alimento para los que vivimos del amor…

Ya a finales del siglo XIX el continente latinoamericano, en el ámbito musical, ya era un desorden barroco, lleno de misticismos y crudezas por doquier. Los ritmos africanos traídos por los esclavos, las rígidas escalas armónicas traídas por los españoles y portugueses desde Europa (recalcando toda la tradición cristiana), y la posterior persecución y represión de las expresiones de arte de los mal llamados “indios”, son la razón de este desorden anticipado. Es así como ya a principios del pasado nuevo ciclo, comienza la recolección de los posibles sonidos, que alguna vez pertenecieron originalmente a una región, pero con una influencia anglosajona imposible de abandonar.

Poco a poco, importantes tendencias como el jazz, la música clásica y la música de percusión africana, arriban en América con una inmediata auto interpretación, a veces perdiendo totalmente el rumbo del estribo, pero agregando elementos inigualables e intercambiables. De esa manera, estilos como la cumbia en Colombia, el joropo en Venezuela o el merengue en Puerto Rico, comienzan a recrear y a ocupar espacios en el ambiente musical de la época.

Europa cobra aun más importancia cuando los pensamientos propios de la actual sociedad occidental empiezan a conformarse, y a establecer un nuevo canon en las maneras de pensar y ver el futuro. De esa manera, elementos tales como la ciudad, la histeria, el amor de suburbios, los caballos y la buena vida, son los trineos que permiten la inspiración de crear algo nuevo que sea capaz de identificar a unos pocos, un egoísmo que rápidamente se populariza y confirma la regla de “música para todos”. Durante los años 1900 a 1905, a partir de un origen para nada claro, el “tango” comienza rápidamente a expandirse a través de agrupaciones denominadas "de cuarteteros".

Este tuvo una rápida difusión difícil de negar. Partiendo del Río la Plata en Argentina hasta el centro de Buenos Aires, llegando a otros continentes como Europa (Francia y Alemania), atravesando localidades orientales (Japón), y claramente difundiéndose por toda América Latina.

Astor Piazzolla, uno de los grandes compositores de tango de todos los tiempos, y por sobre todo un innovador al incorporar cambios en el ritmo del tango, pero manteniendo su esencia, elemento invisible para los ortodoxos tradicionalistas de la época.

Pero si habría que indicar un espacio representativo del tango, ese seria la ciudad, esencialmente Buenos Aires. Tal como el escritor Julio Cortazar lo describió alguna vez, un lugar donde se presta la vida bohemia, la eterna oscuridad, los pasillos interminables, las luces de neón, los humos de uno que otro gauloise, y los diversos contrastes que decoran vacíos planos pictóricos, inundados de oleos índigos e opacos. Y es aquí donde se desarrollan las diversas temáticas del tango. La valentía de tal vez dejar todo, incluso los recuerdos, y tener la seguridad de afrentar lo que viene con la frente en alto. El estar podrido por dentro, lleno de traiciones pasadas, y confirmando un eterno egocentrismo. Y si es que quedan resplandores dentro de tanta crudeza, no está mas que centrada en una falsa esperanza gimiendo melancolía como un zorrillo desamparado con ojos de vidrio, eximido de ideales vagos, y con unas pocas reservas de comida para algo mas de mil años...

Pero el viajero que huye
Tarde o temprano detiene su andar...
Y aunque el olvido, que todo destruye,
Haya matado mi vieja ilusión,
Guardo escondida una esperanza humilde
Que es toda la fortuna de mi corazón.

Volver... con la frente marchita,
Las nieves del tiempo platearon mi sien...
Sentir... que es un soplo la vida,
Que veinte años no es nada,
Que febril la mirada, errante en las sombras,
Te busca y te nombra.
Vivir... con el alma aferrada
A un dulce recuerdo
Que lloro otra vez

“Volver”, Carlos Gardel

Carlos Gardel, una de las grandes legendas del tango, que logro traspasar las fronteras de lo propiamente musical llevando la actitud de dichas armonías a la pantalla grande, y retomar el dialogo como difusión de su arte, para el medio popular.

Violines, bandoneones y guitarras son los principales acompañantes del tango, con una gran ausencia de percusión y sonidos disonantes, lo que no significa para nada una ausencia de ritmo. Pero, ¿es posible decir que necesariamente un sonido tiene que ser especialmente enfocado a la patchanga y a la jarana para poder ser universal? Tal vez esa interrogante no tenga respuesta, lo cierto es que de manera paralela, muchos estilos se desarrollaron en otras localidades junto con el tango, y que justamente sus propuestas iban a lares con un deferente dinamismo altoparlante.

Platillos y Pitillos; Tambores y Quirichas

(Localidad de "Salvador de Bahia")

El “samba” brasileño también es un arte influenciado de otras culturas, esta vez de África, específicamente de la región de Angola. Una danza y percusión utilizada para rituales de fecundidad que recibe el nombre originario de “semba”, es traída por los esclavos africanos a Brasil, que luego huyen de las plantaciones debido a la explotación laboral. Poco a poco las armonías comienzan a esparcirse a través de las amazonas, llegando a las favelas, y pasando por los tantos contrastes conocidos de la verde amárela, en una costosa tolerancia de parte de la gente. Una aceptación que duro tal vez demasiado, pero que con el pasar del tiempo y la identificación de compositores con el movimiento de la samba, fue posible la gran victoria de esta “guerrilla cultural”.

Dichas armonías no tienen ningún destino más que la importante labor de recrear espacios para la diversión, el gran escape, la libertad. Lo lúdico prima en la samba y es el eje principal que arma las distintas composiciones. Para lograr esto, verdaderas orquestas musicales recrean música a base de lo mas mínimo (en cuanto a complejidad de los instrumentos), principalmente a la percusión (bombo de surdo), el pandero, y las cuerdas con el cavaquinho y la guitarra acústica.

“Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida es considerada la primera grabación de samba hecha en Brasil, para que luego en los años 30 se creara la primera escuela de samba y transformara al genero en la música oficial de Brasil. Es así como el culto a la samba se desenvuelve en distintos ámbitos artísticos como el teatro, la danza y la fiesta, elementos que se pueden observar en los ya tan reconocidos “Carnavales de Río”.

El forró (música símbolo de la denominada “Fiesta de San Juan”) y la música caribeña (originaria de la selva amazónica) son otros importantes estilos musicales, desarrollados en el país de Brasil.

Además, a partir de la samba nacen muchas sub-divisiones musicales, como el pagode, desarrollado en los ochentas y que incorpora instrumentos como el banjo y el tantan, y el fundamental “bossanova”. Estilo que nace de los altos barrios de Rió de Janeiro durante los años cincuenta, y que a pesar de que su origen sea directo de la samba, sus propósitos van por direcciones opuestas. Sonidos que van por lo ecléctico y snob, el abandono de las calles remplazadas por auditorios y comodidades anti-conciencia, y la poca consideración de estridentes tambores y sentido de festividad, para llenarse de jazz, bajos decibeles y guitarras clásicas. Lo cierto, es que justamente por esta gran adaptación al mundo europeo, el bossanova permitió abrir las compuertas culturales de Brasil, haciendo llegar una globalización anticipada, y permitiendo una constante mezcla de lo autóctono con lo periférico.

Joao Gilberto, Vinicius de Moraes y Antonio Carlos Jobim son los tres pilares fundadores del bossa-nova. (en el video, Joao Gilberto y Tom Jobim, interpretando la canción "Garota De Ipanema)

Sin embargo, en la bossanova no todo es cubrir orificios y tapar el sol con un dedo. Chico Buarque es un novelista y músico, que no le basta con solo tocar armonías con instrumentos de oro. Sus constantes ataques a la dictadura de Brasil durante los años setenta, el no tranzar con el abuso a la honra y los derechos de las personas, y una creación de conciencia fundamental, lo hace desarrollar un nuevo concepto de lo que hasta ese momento en Brasil signicaba la investigación folclórica. En lo musical, Chico explora diversos estilos musicales, desde música docta, hasta las esencias folclóricas brasileñas haciendo distintos quiebres en las armonías e imponiendo una versatibilidad jamás vista en la historia de la música brasileña y latina en general.

Esto, desarrolla un cambio de sentido para las reservadas armonías musicales existentes hasta ese entonces. Una visión de mundo que ya estaba desarrollada y en auge en regiones como Cuba y Chile. En esta recreación de espacios, se desenvuelve la concepción de la nueva comunidad, de la buena vida en busca de utopías, y el gran paso por tierras canículas de personas que no son mas que un gran ideal, misiles vengadores llenos de virtud moralina, o simplemente, “cristos entre edificios”.

Avanzar a 2ª parte

David Cronenberg

"La religion de La Nueva Carne"

David Paul Cronenberg es un director cinematográfico de origen canadiense, que ha pasado por diversas etapas, y es muy difícil encasillarlo dentro de algún genero en particular. De todas maneras, prácticamente en casi toda su trayectoria cinéfila su tema central ha sido la relación psicológica y corporal que existe en el ser humano, que puede ser expresada a través de poderes sobrenaturales, o diversos fenómenos paranormales.

Temas que se expresan de manera preponderante en sus primeras cintas, como "Shivers" (1975), "Rabid" (1977), "Fast Company" (1979) y en sus obras proliferas que analizaremos en esta ocasión. Los parásitos y las enfermedades inmanejables para las yemas humanas también son bienvenidas en películas como “The Fly” (1986) o “Dead Zone” (1983). Y si habría que encasillar sus temáticas mas recientes, sin duda se centrarían en la psicología humana, la ciencia ficción en “eXistenZ” (1999) y “Dead Ringers” (1988), y el cine propiamente social en la galardonada “A History Of Violence” (2005).

En general, el cine de Cronenberg se puede jerarquizar fácilmente en los estereotipos propios del cine de terror, en donde se puede describir lo tangible, donde destacan grandes desmembramientos, aparición de seres monstruosos, e historias fantásticas. Pero esos elementos son solo un tranvía que permite que se hagan palpables los límites insospechados a los que quiere llegar su creador, estrujando nuestro cerebro y licuando nuestro plasma neuronal. Borrar las fronteras entre terror, ciencia-ficción, cine de autor y cine experimental, y expandir el cine fantástico hacia nuevos terrenos.

(Imagen de "Naked Lunch", 1991)

Afirmar que lo que vemos no son películas de terror, ya que el terror es una ficción y Cronenberg no hace mas que contarnos realidades, que bien pueden resultar muy crudas, deprimentes y verdaderamente terroríficas, pero que al final son un verdadero mensaje de conciencia y moral, un certero reflejo de la sociedad pasada, actual y futura.

A continuación, analizaremos las temáticas que rodean el cine de este director y nos vamos a centrar principalmente en tres películas de su filmografía: “The Brood” (aka “La Camada”) (1979), “Scanners” (1981) y “Videodrome” (1983).

- Tumultos, Telekinesia y Estados Unidos -

(Escena de la pelicula "The Brood")

Cronenberg es tal vez el único director que logra representar de manera tan magistral la unión y relación existente, entre los laberintos e interminables pasillos de la mente humana, y el deterioro de conductas y de características fisiológicas de una persona.

Nola Carveth es un ejemplo de ello, una mujer con graves trastornos mentales, que es residente en el “Instituto Somafree” dirigido por el Dr. Raglan. Este particular psiquiatra utiliza diversas técnicas revolucionarias a sus pacientes (que forman parte de su denominada “psicoplasmia”) para tratar sus enfermedades mentales, y una de sus pacientes favoritas es precisamente esta mujer. Su esposo, esta muy preocupado por las actitudes de su hija cada vez que ella visita a su madre. Es así como poco a poco, los familiares y cercanos de esta familia empiezan a morir, a manos de extraños seres enanos y deformes, poseídos por una rabia incontenible….seres que vienen de Nola Carveth y que forman parte de la larga camada de entes que da luz y que son producto de las grabes mutaciones en su cuerpo, producidas por las contenidas desviaciones sicológicas que mantiene en su interior. Y que por supuesto, son gracias a los horribles tratamientos de choque del doctor Raglan.

La relación entre la psique y el cuerpo es representada en este film, y es también el fundamento para explicar como los manejos mentales emanados del hombre, no hacen más que modelar un alma al antojo de la nada. El acumular rabia dentro del cuerpo y expresarla en quistes, tumores y canceres es llevada al limite cuando se logra crear vida a partir del odio.

(Liberacion de rabia de parte de uno de los tantos "seres paranormales" de la camada)

En “The Brood” se rompe el modelo de figura materna, representando la monstruosidad y el retorno a lo únicamente sensorial e instintivo. Es por eso que los lazos familiares ya no existen, y la hija de este matrimonio frustrado es el objetivo de traumas y maltratos inconcientes de parte de su madre, germinando una nueva semilla maligna en ella. El resultado: Por el camino, la condición humana se pierde y asistimos al nacimiento de una nueva forma de vida.

¿Pero que sucede si esa fuerza mental que ocupamos para auto-inflingirnos necrosis celular, la utilicemos para dañar a otras personas por un mero hecho de masturbación, violencia o placer culpable? Una de las máximas expresiones de este poder es la telekinesia y de eso nos habla “Scanners”. No precisamente de una simple lectura de mente, sino que de la destrucción de esta, y de alguna que otra parte corporal de nuestro cuerpo. Es por eso que se puede afirmar que las limitaciones a partir de hechos “biológicos” ya no existen, y hoy en día todos sabemos que la gran masa que conservamos en nuestro cráneo puede lograr cambios, que sobrepasan lo terrenal, pero que siempre son perjudiciales, ya que la naturaleza es “una mente superior”. A lo largo de toda la historia de la pangea la dominancia de esta es una ambigüedad difícil de creer, al ver como tantas personas se liquidan unas a otras y caen en artificios físico/sicológicos descritos con anterioridad.

(Explocion craneal en la pelicula "Scanners")

Esto supone una relación con la bioética actual, es decir, el cuestionamiento de las metodologías y técnicas que realizan los médicos a sus pacientes, y hasta donde vamos a llegar en la manipulación de nuestro cuerpo. El enfermizo avance tecnológico solo para comprobar que estamos vivos, hacer certezas empíricas, vivir en una constante rebeldía con el medio, y existir con terror a la nada.

(*) Paréntesis

(- “Como por ejemplo, la “cultura del miedo”, muy impuesta por los hoy en día emperadores de la sangre en el mundo, Estados Unidos. El excesivo poder económico ha sobrepasado lo estadístico y ha logrado imponer modelos culturales excesivos. El estar en constante amenaza y la gran problemática que surge cuando las personas están armadas, hace catalizar una verdadera degradación del género humano, hasta un posible y decadente abandono del presente, y un constante retroceso al pasado. Hasta el oscuro universo atómico…invisible e intangible.” -)

(Montaje de imágenes acerca de EEUU y el conflicto de las torres gemelas)

- El domo virtual -

(Escena de la película “Videodrome”)

La mente modificada por el medio. La mente modificada por la sociedad. La mente modificada por valores culturales. La mente inundada y sobornada por la televisión. La “mentalidad televisiva”. Un canon que inunda la parte mas importante de la actual globalización, las personas, el individuo, tu que lees esto y que no quiero lavarte el cerebro con nada, pero es el mismo medio el que nos soborna a todos en el infinito de las palabras, en la pantalla de croma, y en los extremos iconos que rodean lo virtual, que hipnotizan y manejan a un saco de arterias y venas con facilidad.

Max Renn es el protagonista de “Videodrome”, un muro más perteneciente a dicha sociedad relatada. El es dueño de un canal ilegal, que tiene como objetivo mostrar material fuerte y pornográfico que no se muestra en ninguna otra señal, y que en su búsqueda de ese preciado material impactante cae en sus manos Videodrome, una serie de videos relacionados con la tortura y la flagelación neorrealista.

Max llega a extremos de la adicción de este canal, llegando a la materialización física, transformándolo en un video viviente con la aparición de una boca/vagina en la parte inferior de su estomago. En este orificio (ficticio?) se pueden introducir cintas de video, desconectándolo de lo real y siendo manejado por los creadores de Videodrome, obedeciendo las ordenes que estos le mandan, pero con la posibilidad del total traspaso hacia la ascensión, llegando a la perfecta “revelación”. El manejo de las grandes industrias a partir de la publicidad televisiva, es un hecho viviente en la cotidianeidad actual. Los constantes lavados de cerebro son propios de una dominación de conveniencia y el poder sobrepasa lo carnal, transformando a cada ser en simples números naturales.

(Imagen de Sonja Smits , representada por la vocalista de Blondie, Deborah Harry)

“Videodrome” postula que se pueden ascender a nuevas formas de vida a partir de las pantallas cromáticas, que pueden ser aterradoramente placenteras, llegando a un nuevo orgasmo nunca antes alcanzado por nadie. Eso transforma a la realidad en algo aburrido, y por sobre todo en algo relativo. Hoy en día no existe la ciencia ficción, ya que estamos sumergidos en algo que va mucho más lejos que algo ficcionario: Una nueva forma de vida a partir de lo virtual. La alineación producida por los medios de comunicación es la formadora de una nueva sociedad basada en la imagen, donde quien controla la televisión tiene dominio en cada individuo de la desfragmentada sociedad contemporánea.

La teoría de “la nueva carne” desarrollada por Cronenberg, es una constante en sus films; la certeza de que tanto la carne como la materia pueden transformarse, es el nexo de unión a través del cual podemos introducirnos en toda su producción. La eliminación del ser humano actual, reducirlo a su mínima expresión, y su inmediata reconstrucción, imponiendo nuevas reglas y creando un sentido alucinado de la realidad.

“Hoy no es el sexo el que perturba o produce temor, sino el dolor permanente, el cadáver potencial que somos. Quién quiere mirarlos a la cara? La depresión es el secreto (secret), tal vez lo sagrado (sacré) moderno.”

Julia Kristeva

Vínculos relacionados:

http://ar.geocities.com/psychoneuro/

http://usuarios.lycos.es/cronenberg/

http://www.miradas.net/2005/n43/estudio.html